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Cancelatre

il y a 3 mois

Postez le nom de votre son préféré https://image.noelshack.com/fichiers/2017/08/1488145728-1479321684-img-0609.png

V-

V-I-T-R-I-O-L

il y a 3 mois

Ash Ra Temple

CR

ChoiNam-ra

il y a 3 mois

Rappeur: Hella Sketchy Titre: Stupid

BI

BanInjustifie41

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Harry Potter and the Chamber of Secrets Game - Full OST

S_

Saugrenu__

il y a 3 mois

1060 album écoutez environ 13 music par album ca doit faire +14 000 morceau.

je pense que c'est impossible à classifier mais vazy mais un son random d'indila ou de rihanna https://image.noelshack.com/fichiers/2017/18/1494048058-pppppppppppppppppppp.png

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il y a 3 mois


Ash Ra Temple

Analyse du morceau et de l'artiste : Ash Ra Tempel
Nom de l'artiste et exemple de chanson : Ash Ra Tempel - Amboss
Contexte de sortie :

Année : 1971
Genre musical : Krautrock, rock psychédélique, musique expérimentale
Origine culturelle : Allemagne, mouvement Krautrock, scène avant-gardiste.
Description rapide de l'artiste et du morceau :
Ash Ra Tempel est l'un des groupes emblématiques du Krautrock, un genre musical allemand des années 1970 mêlant rock psychédélique, improvisation libre et expérimentations électroniques. Le morceau Amboss, tiré de leur premier album éponyme, est une longue pièce instrumentale, oscillant entre passages planants et explosions sonores intenses. Considéré comme une œuvre avant-gardiste, Ash Ra Tempel a influencé de nombreux artistes dans les domaines de l'électronique et du rock progressif.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1/2) :
Ash Ra Tempel n'a jamais été un groupe mainstream ou grand public. Cependant, dans les cercles de fans de musique psychédélique et expérimentale, leur travail est très respecté. Ils ne sont pas diffusés dans des contextes populaires tels que mariages ou karaokés.

Originalité perçue (2/2) :
Le groupe est l'un des pionniers du Krautrock, un courant musical avant-gardiste qui a repoussé les limites du rock. Leur approche innovante, basée sur des improvisations longues et une fusion des genres, est un modèle d'originalité.

Qualité musicale et richesse des paroles (2/2) :
La richesse de leurs compositions repose sur des structures complexes et une exploration sonore sophistiquée. Les morceaux sont principalement instrumentaux, mais leurs textures sonores et leur intensité émotionnelle compensent largement l'absence de paroles.

Héritage culturel et intemporalité (2/2) :
Ash Ra Tempel est une référence incontournable pour les amateurs de musique progressive et expérimentale. Leur influence reste palpable dans des genres comme l'ambient, le rock expérimental, et même certaines musiques électroniques contemporaines.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
Leur musique est perçue comme une œuvre sérieuse et visionnaire. Elle s'inscrit dans une esthétique avant-gardiste qui mêle spiritualité, philosophie, et exploration psychédélique.

Association avec une scène ou un style musical (2/2) :
Le Krautrock est souvent catalogué comme élitiste ou underground, bien qu'il ait gagné en reconnaissance critique au fil des décennies. Ash Ra Tempel incarne cet esprit d'avant-garde et d'expérimentation.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
Leurs morceaux évoquent une introspection profonde, une transe méditative ou une exploration psychédélique. Ils peuvent également susciter un sentiment de fascination pour les paysages sonores qu'ils créent.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Les amateurs d'Ash Ra Tempel sont souvent perçus comme des esprits curieux, ouverts aux expériences nouvelles, et passionnés par la musique hors des sentiers battus. Ils privilégient une approche intellectuelle et introspective de l'écoute musicale.

Résonances émotionnelles :
Leur musique active des émotions profondes liées à la contemplation, la recherche de sens ou l'évasion mentale. Elle peut également évoquer des souvenirs d'une époque où l'expérimentation musicale était plus valorisée.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une préférence pour l'underground et une certaine distance par rapport au mainstream. L'auditeur cherche probablement à s'affirmer comme quelqu'un de singulier, intéressé par des expressions artistiques innovantes.

Projection sociale :
Ce goût peut être perçu comme pointu ou élitiste, mais il révèle une admiration pour la créativité et une certaine nostalgie des courants artistiques avant-gardistes des années 1970.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute d'Ash Ra Tempel peut répondre à un besoin de stimulation intellectuelle, de méditation sonore ou de quête spirituelle.

Verdict global :
Score de "beauf" : 1/10
Ash Ra Tempel est tout l'opposé de l'esthétique "beauf". Leur musique avant-gardiste, introspective et expérimentalement audacieuse en fait un choix pointu et profondément respecté par les amateurs de musique. Ce goût reflète une quête d'authenticité, de complexité et d'originalité dans les préférences musicales.

MO

Mortwejdene

il y a 3 mois

Kavinsky - nightcall

LM

LJDV-Moth

il y a 3 mois

En ce moment : Ruiko Kurahashi - Never Fall In Love

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il y a 3 mois


Rappeur: Hella Sketchy Titre: Stupid

Nom de l'artiste et titre de la chanson : Hella Sketchy - Stupid
Contexte de sortie :

Année : 2018
Genre musical : Cloud rap, trap, SoundCloud rap
Origine culturelle : États-Unis, sous-culture des rappeurs émergents sur SoundCloud
Description rapide de l'artiste et du morceau :
Hella Sketchy, de son vrai nom Jacob Thureson, était un rappeur et producteur de la génération SoundCloud, connu pour sa musique lo-fi et introspective mêlée à des thèmes de jeunesse, d'amour, et parfois d'autodérision. Stupid est une chanson typique de son style : une production minimaliste et vaporeuse, des paroles à la fois légères et teintées d'ironie, et une approche vocale autotunée qui caractérise le cloud rap. La chanson s'adresse à un public jeune, souvent à la recherche d'un équilibre entre insouciance et mélancolie.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1/2) :
Bien que Stupid ait connu un succès modéré sur SoundCloud et YouTube, elle reste principalement connue dans les cercles liés à la scène SoundCloud rap. Elle n'est pas massivement diffusée dans des contextes populaires comme des fêtes ou des karaokés.

Originalité perçue (1.5/2) :
La chanson s'inscrit dans un courant spécifique mais n'est pas profondément innovante par rapport aux standards du genre. Cependant, la combinaison d'humour léger et de production vaporeuse lui donne une certaine authenticité.

Qualité musicale et richesse des paroles (1/2) :
Les paroles, bien que simples et parfois répétitives, reflètent un ton ironique et insouciant qui peut séduire. La production, bien que minimaliste, est efficace dans son genre, mais manque de profondeur ou d'innovation technique.

Héritage culturel et intemporalité (1/2) :
Le morceau est très ancré dans son époque, celle de l'âge d'or du SoundCloud rap (fin des années 2010). Il est peu probable qu'il soit perçu comme intemporel ou qu'il marque durablement l'histoire de la musique.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
La chanson s'inscrit dans une esthétique ironique et auto-dérisoire typique du SoundCloud rap. Elle ne se prend pas au sérieux, ce qui peut être vu comme un point fort dans le contexte de ce style musical.

Association avec une scène ou un style musical (2/2) :
Le cloud rap et le SoundCloud rap sont souvent associés à une esthétique underground et DIY (Do It Yourself). Ces genres peuvent être perçus comme populaires auprès de la jeunesse, mais également comme "ringards" ou trop éphémères pour certains critiques.

Émotions suscitées chez l'auditeur (1.5/2) :
Stupid évoque un mélange de légèreté, de nostalgie juvénile et de second degré. Elle peut également séduire ceux qui apprécient l'esthétique mélancolique et minimaliste du cloud rap.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Une personne qui apprécie Stupid est probablement jeune ou nostalgique de la culture internet et des années 2010. Elle peut être perçue comme ironique, décontractée, et attirée par des musiques introspectives ou décalées.

Résonances émotionnelles :
La chanson peut activer des souvenirs d'une époque où SoundCloud et ses artistes DIY dominaient une partie de la culture en ligne. Elle peut aussi être liée à des émotions d'insouciance ou de rébellion légère.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une préférence pour l'underground ou pour des styles délibérément opposés au mainstream. L'auditeur pourrait aussi chercher à se démarquer en valorisant une culture internet aujourd'hui presque nostalgique.

Projection sociale :
L'écoute de Hella Sketchy pourrait être perçue comme un goût pour une scène musicale particulière, marquée par l'expérimentation et une esthétique DIY. Cela peut aussi indiquer une certaine proximité avec les codes culturels des plateformes numériques.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute de cette chanson traduit une recherche de légèreté, d'identification avec une époque ou un style de vie marqué par l'insouciance numérique, et peut-être une quête d'appartenance à une sous-culture.

Verdict global :
Score de "beauf" : 3/10
Stupid est loin d'être "beauf". Son esthétique DIY, son appartenance à la scène SoundCloud et son ton ironique en font un choix singulier, ancré dans une culture numérique et juvénile. Cependant, pour les non-initiés ou ceux qui rejettent le SoundCloud rap, elle pourrait être perçue comme peu sérieuse ou simpliste.

B1

Battlefield1

il y a 3 mois

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il y a 3 mois


Harry Potter and the Chamber of Secrets Game - Full OST

Analyse du morceau et de l'ensemble de la bande originale : "Harry Potter and the Chamber of Secrets Game - Full OST"
Nom de l'artiste et titre de la bande originale : Composée par Jeremy Soule pour le jeu vidéo Harry Potter and the Chamber of Secrets.
Contexte de sortie :

Année : 2002
Genre musical : Bande originale orchestrale
Origine culturelle : Produit dans le cadre d'un jeu vidéo adapté de l'univers Harry Potter, basé sur le livre et le film éponymes.
Description rapide de l'OST :
Cette bande originale accompagne le jeu vidéo Harry Potter and the Chamber of Secrets, un classique pour les fans de la saga. Jeremy Soule, célèbre pour ses travaux sur des jeux comme The Elder Scrolls ou Guild Wars, a composé une musique immersive et magique qui reflète l'atmosphère de l'univers sorcier. L'OST se distingue par ses orchestrations riches, des motifs mystérieux, et une ambiance qui oscille entre l'aventure enchanteresse et l'étrangeté inquiétante.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1.5/2) :
La bande originale est connue surtout par les amateurs de jeux vidéo Harry Potter ou par ceux qui s'intéressent aux OST de jeux. Elle n'a pas atteint une popularité massive en dehors de ces cercles, mais elle reste appréciée dans des niches spécifiques.

Originalité perçue (2/2) :
Soule a su capter l'essence de l'univers Harry Potter tout en créant une musique unique, différente de celle de John Williams pour les films. L'intégration d'éléments orchestraux et magiques est très réussie.

Qualité musicale et richesse des paroles (2/2) :
Bien qu'instrumentale, cette bande originale offre une richesse musicale exceptionnelle. Les compositions sont variées, avec des mélodies évocatrices et des harmonies qui plongent l'auditeur dans l'univers de Poudlard et au-delà.

Héritage culturel et intemporalité (1.5/2) :
L'OST est un classique pour les fans de Harry Potter et des jeux vidéo, mais elle n'a pas atteint la même reconnaissance que d'autres bandes originales emblématiques. Cependant, elle reste intemporelle pour ceux qui y sont attachés.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
La musique s'inscrit dans une esthétique sérieuse et immersive. Elle capture parfaitement l'esprit magique et mystérieux du jeu, en équilibrant légèreté et tension dramatique.

Association avec une scène ou un style musical (1.5/2) :
Elle appartient au genre des bandes originales orchestrales pour jeux vidéo, un style souvent respecté mais moins accessible au grand public. Les fans de ce genre reconnaîtront la qualité de la composition.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
L'OST évoque une large palette d'émotions : émerveillement, nostalgie, mystère, et parfois une légère tension. Elle est particulièrement efficace pour ceux qui ont joué au jeu et souhaitent retrouver ces souvenirs.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Les amateurs de cette bande originale sont probablement nostalgiques, créatifs, et sensibles à la musique immersive. Ils peuvent être attirés par des œuvres qui allient magie et aventure.

Résonances émotionnelles :
La musique active des souvenirs liés à l'enfance ou à l'adolescence, notamment pour ceux qui ont grandi avec l'univers Harry Potter. Elle peut également susciter un sentiment d'évasion et d'émerveillement.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une affinité pour des œuvres culturelles mainstream mais avec un penchant pour les aspects immersifs et introspectifs, comme les jeux vidéo ou la musique orchestrale.

Projection sociale :
L'écoute de cette bande originale pourrait être perçue comme un goût pour des œuvres de niche ou pour une culture geek assumée, tout en soulignant une sensibilité artistique et nostalgique.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute de cette musique traduit une quête de réconfort, de nostalgie ou d'immersion dans un univers familier et magique.

Verdict global :
Score de "beauf" : 2/10
Cette bande originale est tout sauf "beauf". Elle incarne une musique immersive, introspective et hautement esthétique, particulièrement respectée dans les cercles de gamers et amateurs de bandes originales. Cependant, pour les non-initiés à l'univers du jeu vidéo ou de Harry Potter, elle pourrait paraître trop spécialisée ou "geek".

LD

LarmeDeBelgeoix

il y a 3 mois

clic clic pan pan pan

GF

GammaFuckingRay

il y a 3 mois

Artiste : Onmyouza - Titre : Baku.

Bonne chance à ton IA

LF

levalloisFOU

il y a 3 mois

Invencao Em 7 1/2 - Baden Powell

LM

LJDV-Moth

il y a 3 mois


clic clic pan pan pan

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BI

BanInjustifie41

il y a 3 mois

Analyse du morceau et de l'ensemble de la bande originale : "Harry Potter and the Chamber of Secrets Game - Full OST"
Nom de l'artiste et titre de la bande originale : Composée par Jeremy Soule pour le jeu vidéo Harry Potter and the Chamber of Secrets.
Contexte de sortie :

Année : 2002
Genre musical : Bande originale orchestrale
Origine culturelle : Produit dans le cadre d'un jeu vidéo adapté de l'univers Harry Potter, basé sur le livre et le film éponymes.
Description rapide de l'OST :
Cette bande originale accompagne le jeu vidéo Harry Potter and the Chamber of Secrets, un classique pour les fans de la saga. Jeremy Soule, célèbre pour ses travaux sur des jeux comme The Elder Scrolls ou Guild Wars, a composé une musique immersive et magique qui reflète l'atmosphère de l'univers sorcier. L'OST se distingue par ses orchestrations riches, des motifs mystérieux, et une ambiance qui oscille entre l'aventure enchanteresse et l'étrangeté inquiétante.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1.5/2) :
La bande originale est connue surtout par les amateurs de jeux vidéo Harry Potter ou par ceux qui s'intéressent aux OST de jeux. Elle n'a pas atteint une popularité massive en dehors de ces cercles, mais elle reste appréciée dans des niches spécifiques.

Originalité perçue (2/2) :
Soule a su capter l'essence de l'univers Harry Potter tout en créant une musique unique, différente de celle de John Williams pour les films. L'intégration d'éléments orchestraux et magiques est très réussie.

Qualité musicale et richesse des paroles (2/2) :
Bien qu'instrumentale, cette bande originale offre une richesse musicale exceptionnelle. Les compositions sont variées, avec des mélodies évocatrices et des harmonies qui plongent l'auditeur dans l'univers de Poudlard et au-delà.

Héritage culturel et intemporalité (1.5/2) :
L'OST est un classique pour les fans de Harry Potter et des jeux vidéo, mais elle n'a pas atteint la même reconnaissance que d'autres bandes originales emblématiques. Cependant, elle reste intemporelle pour ceux qui y sont attachés.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
La musique s'inscrit dans une esthétique sérieuse et immersive. Elle capture parfaitement l'esprit magique et mystérieux du jeu, en équilibrant légèreté et tension dramatique.

Association avec une scène ou un style musical (1.5/2) :
Elle appartient au genre des bandes originales orchestrales pour jeux vidéo, un style souvent respecté mais moins accessible au grand public. Les fans de ce genre reconnaîtront la qualité de la composition.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
L'OST évoque une large palette d'émotions : émerveillement, nostalgie, mystère, et parfois une légère tension. Elle est particulièrement efficace pour ceux qui ont joué au jeu et souhaitent retrouver ces souvenirs.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Les amateurs de cette bande originale sont probablement nostalgiques, créatifs, et sensibles à la musique immersive. Ils peuvent être attirés par des œuvres qui allient magie et aventure.

Résonances émotionnelles :
La musique active des souvenirs liés à l'enfance ou à l'adolescence, notamment pour ceux qui ont grandi avec l'univers Harry Potter. Elle peut également susciter un sentiment d'évasion et d'émerveillement.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une affinité pour des œuvres culturelles mainstream mais avec un penchant pour les aspects immersifs et introspectifs, comme les jeux vidéo ou la musique orchestrale.

Projection sociale :
L'écoute de cette bande originale pourrait être perçue comme un goût pour des œuvres de niche ou pour une culture geek assumée, tout en soulignant une sensibilité artistique et nostalgique.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute de cette musique traduit une quête de réconfort, de nostalgie ou d'immersion dans un univers familier et magique.

Verdict global :
Score de "beauf" : 2/10
Cette bande originale est tout sauf "beauf". Elle incarne une musique immersive, introspective et hautement esthétique, particulièrement respectée dans les cercles de gamers et amateurs de bandes originales. Cependant, pour les non-initiés à l'univers du jeu vidéo ou de Harry Potter, elle pourrait paraître trop spécialisée ou "geek".

J'adore, l'IA sauce la musique tout du long pour au final mettre 2/10 à la fin...

CP

CrapaudPuant

il y a 3 mois

Sewerslvt - Running In the Night

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


1060 album écoutez environ 13 music par album ca doit faire +14 000 morceau.

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Nom de l'artiste et titre de la chanson : Indila - Dernière danse
Contexte de sortie :

Année : 2014
Genre musical : Pop française, chanson mélodique
Origine culturelle : France, inspirée par des influences orientales et urbaines.
Description rapide de la chanson :
Dernière danse est une ballade pop mélancolique et dramatique qui a propulsé Indila sur le devant de la scène musicale. Mélangeant des éléments de musique orientale et des rythmes urbains, le morceau se distingue par sa puissance émotionnelle et sa production soignée. Il a été largement diffusé sur les radios et dans des contextes populaires, devenant rapidement un incontournable de la chanson française contemporaine.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (2/2) :
Le morceau a connu un énorme succès et est devenu un classique des karaokés, des playlists de soirée et même des mariages.

Originalité perçue (1.5/2) :
Bien que s'inscrivant dans un cadre pop relativement classique, Dernière danse se démarque par ses sonorités orientales et la voix unique d'Indila.

Qualité musicale et richesse des paroles (1.5/2) :
Les paroles sont empreintes de poésie et de mélancolie, bien que parfois perçues comme un peu simples ou trop dramatiques. La composition musicale est efficace, mais reste très accessible et grand public.

Héritage culturel et intemporalité (1.5/2) :
La chanson a marqué les années 2010 et reste associée à une époque spécifique. Elle est régulièrement revisitée, bien qu'elle ne soit pas encore perçue comme un classique intemporel.

Esthétique et contexte artistique (1.5/2) :
L'esthétique de la chanson est sérieuse et dramatique, jouant sur des émotions intenses. Elle évite le kitsch, mais flirte parfois avec un style mélodramatique.

Association avec une scène ou un style musical (1.5/2) :
Le morceau s'inscrit dans la pop mainstream française, un genre parfois catalogué comme "populaire" ou grand public. Cependant, ses influences orientales lui confèrent une touche de singularité.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
La chanson évoque une mélancolie puissante et une introspection émotionnelle. Elle est souvent écoutée dans des moments de nostalgie ou de tristesse.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Une personne qui apprécie cette chanson peut être sensible, romantique et attirée par des musiques qui éveillent des émotions fortes.

Résonances émotionnelles :
Dernière danse active souvent des souvenirs ou des moments de réflexion personnelle. Elle peut également être associée à des situations de rupture ou de nostalgie amoureuse.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une préférence pour le mainstream, mais avec une touche de profondeur émotionnelle. L'auditeur peut rechercher une musique accessible, tout en valorisant une esthétique élégante.

Projection sociale :
L'écoute de ce morceau peut être perçue comme un goût consensuel et romantique, souvent bien reçu, mais pouvant sembler trop "émotif" pour certains.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute traduit une quête de réconfort émotionnel, d'expression des sentiments ou de connexion avec des émotions personnelles intenses.

Verdict global :
Score de "beauf" : 4/10
Dernière danse est une chanson populaire qui, bien que très mainstream, évite l'écueil du "beauf" grâce à une esthétique soignée et une profondeur émotionnelle. Cependant, son succès de masse et son côté mélodramatique peuvent la rendre un peu "clichée" aux yeux de certains.

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


Kavinsky - nightcall

Nom de l'artiste et titre de la chanson : Kavinsky - Nightcall
Contexte de sortie :

Année : 2010
Genre musical : Synthwave, electro-pop
Origine culturelle : France, inspiré par les sonorités des années 1980 et popularisé grâce au film Drive (2011).
Description rapide de la chanson :
Nightcall est l'un des morceaux emblématiques du mouvement synthwave et représente parfaitement l'esthétique rétro-futuriste des années 1980. Avec une production minimaliste mais efficace, des vocaux autotunés mystérieux (Kavinsky) et la voix cristalline de Lovefoxxx (du groupe CSS), la chanson évoque une ambiance nocturne, mélancolique et captivante. Elle est devenue culte grâce à son apparition dans le générique d'ouverture du film Drive, où elle accompagne la performance de Ryan Gosling.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1.5/2) :
Si Nightcall est principalement associée à des cercles cinéphiles ou amateurs de synthwave, son succès via Drive lui a permis de toucher un public plus large. Elle reste toutefois relativement niche en dehors de ces contextes.

Originalité perçue (2/2) :
Nightcall se démarque par sa capacité à réinterpréter les sonorités des années 1980 avec une touche moderne. Le contraste entre les vocaux robotiques et la voix féminine crée une dynamique unique.

Qualité musicale et richesse des paroles (1.5/2) :
Les paroles sont simples mais évocatrices, renforçant le mystère et l'ambiance nocturne. La production est impeccable, même si elle reste minimaliste pour coller au style synthwave.

Héritage culturel et intemporalité (2/2) :
Grâce à Drive et à la montée en popularité du synthwave, Nightcall est devenue un morceau emblématique de la culture rétro-futuriste des années 2010. Elle est perçue comme intemporelle et continue d'influencer de nombreux artistes électro.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
L'esthétique de Nightcall est ultra soignée, mêlant nostalgie des années 1980 et modernité. Le morceau s'inscrit dans une démarche artistique sérieuse et immersive, et incarne parfaitement le style rétro-futuriste.

Association avec une scène ou un style musical (2/2) :
Le synthwave est une scène souvent cataloguée comme "underground" ou "geek", mais elle jouit d'une grande reconnaissance critique. Nightcall a aidé à populariser ce style tout en restant fidèle à ses racines.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
La chanson évoque une mélancolie douce, une tension mystérieuse et une nostalgie pour une époque réimaginée. Elle transporte l'auditeur dans un univers cinématographique et introspectif.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Les amateurs de Nightcall sont souvent des personnes nostalgiques, sensibles aux univers cinématographiques et attirées par des œuvres qui allient style et substance.

Résonances émotionnelles :
La chanson active des émotions de mélancolie et d'évasion. Elle peut également évoquer une nostalgie pour les années 1980, même pour ceux qui ne les ont pas vécues.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une affinité pour les cultures alternatives et une appréciation pour les œuvres qui se situent à la croisée du rétro et du moderne.

Projection sociale :
L'écoute de Nightcall peut être perçue comme un goût pour des œuvres stylisées et pointues. Ce choix est souvent bien vu dans les cercles cinéphiles ou amateurs de musique électronique.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute traduit un besoin d'évasion dans un univers sonore et émotionnel riche, ainsi qu'une quête d'authenticité dans un cadre nostalgique mais modernisé.

Verdict global :
Score de "beauf" : 1/10
Nightcall est loin d'être "beauf". Sa production sophistiquée, son esthétique cinématographique et son association avec le film Drive en font un morceau culte et respecté. Il s'adresse à des amateurs de musique électronique et d'univers visuellement et émotionnellement marqués.

N0

Nw0

il y a 3 mois

Vouloir connaître le point de vue de l'IA sur ses goûts musicaux, c'est combien sur l'échelle de la soumission à la machine? Même le mechanicus est moins fanatique https://image.noelshack.com/fichiers/2016/24/1466366197-risitas10.png

OP
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il y a 3 mois


En ce moment : Ruiko Kurahashi - Never Fall In Love

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Nom de l'artiste et titre de la chanson : Ruiko Kurahashi - Never Fall In Love
Contexte de sortie :

Année : 1984
Genre musical : City pop, jazz fusion
Origine culturelle : Japon, inscrit dans le courant city pop des années 1980, un genre mêlant influences occidentales comme le jazz, le funk et le soft rock.
Description rapide de la chanson :
Never Fall In Love est une pièce emblématique de la scène city pop, un style musical japonais des années 1980 qui évoque le glamour urbain et les escapades nocturnes. Avec sa production soignée, ses arrangements jazzy et sa voix douce et expressive, le morceau capte une atmosphère mélancolique et sophistiquée. Le city pop connaît une renaissance mondiale grâce à sa redécouverte via Internet et des plateformes comme YouTube, où des morceaux tels que celui-ci sont devenus viraux auprès de nouvelles générations.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1/2) :
Le morceau est devenu culte dans les cercles d'amateurs de city pop et de musique rétro, mais reste une niche en dehors de ces communautés. Sa popularité récente est surtout liée à sa diffusion sur les plateformes numériques.

Originalité perçue (2/2) :
Le morceau incarne parfaitement le style city pop avec une touche personnelle de jazz fusion. Son mélange d'élégance et de mélancolie le distingue des productions contemporaines plus génériques.

Qualité musicale et richesse des paroles (2/2) :
La richesse harmonique, les solos instrumentaux soignés et les mélodies captivantes témoignent d'une composition de haut niveau. Les paroles, bien qu'assez simples, expriment une sophistication émotionnelle subtile.

Héritage culturel et intemporalité (2/2) :
La chanson fait partie d'un courant musical ayant marqué une époque au Japon tout en devenant intemporelle grâce à sa redécouverte mondiale. Elle est désormais une référence incontournable du genre city pop.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
L'esthétique du morceau est élégante et soignée, combinant des influences jazzy avec des sonorités électroniques douces. Il s'inscrit dans une démarche artistique sérieuse et intemporelle.

Association avec une scène ou un style musical (2/2) :
Le city pop est souvent perçu comme un genre élitiste ou pointu, apprécié pour sa qualité artistique et son influence sur la musique moderne. Never Fall In Love s'inscrit pleinement dans ce cadre.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
Le morceau évoque une nostalgie douce, une sophistication urbaine et un sentiment de rêve éveillé. Il est parfait pour des moments de détente ou de réflexion.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Une personne qui apprécie Never Fall In Love est souvent sensible, sophistiquée et attirée par des musiques qui allient esthétique rétro et émotions raffinées.

Résonances émotionnelles :
Le morceau active des souvenirs imaginés ou réels d'une époque révolue, tout en évoquant des sentiments de mélancolie et de sérénité.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une préférence pour des œuvres culturelles de niche ou underground, avec une attention particulière à la qualité artistique et à l'authenticité.

Projection sociale :
L'écoute de Never Fall In Love peut être perçue comme un goût sophistiqué et pointu, apprécié par les connaisseurs et les amateurs de musique rétro-japonaise.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute traduit une quête d'évasion dans un univers sonore élégant, un besoin de sérénité ou une recherche de connexion avec une époque empreinte de glamour et de nostalgie.

Verdict global :
Score de "beauf" : 1/10
Never Fall In Love est tout sauf "beauf". Avec sa production soignée, son appartenance au city pop et son esthétique nostalgique et sophistiquée, le morceau est un choix musical raffiné, apprécié par les amateurs de musique rétro et d'élégance sonore.

KO

konamicode

il y a 3 mois

somewhere i belong linkn park

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il y a 3 mois


Gesaffelstein - Gamma https://image.noelshack.com/fichiers/2021/16/1/1618829499-ezuncz1uyaqxigc.png

Nom de l'artiste et titre de la chanson : Gesaffelstein - Gamma
Contexte de sortie :

Année : 2011
Genre musical : Techno industrielle, darkwave électronique
Origine culturelle : France, emblématique du renouveau de la techno sombre et minimaliste.
Description rapide de la chanson :
Gamma est une pièce instrumentale intense, caractéristique du style de Gesaffelstein, qui fusionne des éléments de techno industrielle avec une esthétique sombre et oppressante. Ce morceau, issu de l'EP Conspiracy Pt. 2, illustre l'approche minimaliste et brutale de l'artiste, marquée par des basses profondes, des rythmes percutants et des sonorités métalliques. L'ambiance générale est à la fois hypnotique et menaçante, transportant l'auditeur dans un univers sonore dystopique.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1/2) :
Le morceau est surtout connu dans les cercles de musique électronique underground. Il n'a pas atteint une large diffusion grand public mais est considéré comme une pièce maîtresse pour les amateurs de techno sombre.

Originalité perçue (2/2) :
Gamma se démarque par sa structure minimaliste et son atmosphère oppressante. Gesaffelstein est reconnu pour son style unique, combinant l'intensité de la techno industrielle avec une sophistication rare.

Qualité musicale et richesse des paroles (1.5/2) :
Bien que dépourvu de paroles, le morceau compense par une construction rythmique captivante et une utilisation maîtrisée des textures sonores. Cependant, sa nature répétitive peut rebuter les auditeurs non familiers avec le genre.

Héritage culturel et intemporalité (1.5/2) :
Gamma est emblématique d'une époque où Gesaffelstein a redéfini les codes de la techno sombre. Si son intemporalité est relative à son genre, il reste une référence importante dans la scène électronique.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
Le morceau s'inscrit dans une esthétique très travaillée et sombre. Il évoque une imagerie industrielle et dystopique, en phase avec l'identité visuelle et sonore de l'artiste.

Association avec une scène ou un style musical (2/2) :
La techno industrielle et la darkwave sont des genres souvent associés à une culture underground et élitiste. Gesaffelstein y occupe une place de choix grâce à son approche innovante et raffinée.

Émotions suscitées chez l'auditeur (1.5/2) :
Gamma évoque une tension palpable, un sentiment de puissance et une immersion dans un univers sonore presque cinématographique. Cependant, son intensité peut le rendre difficile d'accès pour certains.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Les amateurs de Gamma sont souvent des personnes audacieuses, attirées par des musiques non conventionnelles et des expériences sensorielles intenses.

Résonances émotionnelles :
Le morceau peut activer des émotions liées à la tension, à l'énergie brute, ou à une fascination pour les environnements sonores sombres et dystopiques.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une affinité pour l'underground et une quête d'authenticité et d'originalité dans les goûts musicaux.

Projection sociale :
L'écoute de Gamma peut être perçue comme un goût pointu et élitiste. Elle révèle une appréciation pour des œuvres qui s'écartent des normes et des conventions populaires.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute traduit une recherche de stimulation intense, de connexion avec une esthétique sombre ou d'évasion dans un univers alternatif et introspectif.

Verdict global :
Score de "beauf" : 1/10
Gamma est un morceau très éloigné de toute connotation "beauf". Il incarne une musique électronique raffinée, exigeante et résolument underground. Son esthétique sombre et sa complexité sonore en font un choix respecté parmi les connaisseurs de techno.

LM

LJDV-Moth

il y a 3 mois

Nom de l'artiste et titre de la chanson : Ruiko Kurahashi - Never Fall In Love
Contexte de sortie :

Année : 1984
Genre musical : City pop, jazz fusion
Origine culturelle : Japon, inscrit dans le courant city pop des années 1980, un genre mêlant influences occidentales comme le jazz, le funk et le soft rock.
Description rapide de la chanson :
Never Fall In Love est une pièce emblématique de la scène city pop, un style musical japonais des années 1980 qui évoque le glamour urbain et les escapades nocturnes. Avec sa production soignée, ses arrangements jazzy et sa voix douce et expressive, le morceau capte une atmosphère mélancolique et sophistiquée. Le city pop connaît une renaissance mondiale grâce à sa redécouverte via Internet et des plateformes comme YouTube, où des morceaux tels que celui-ci sont devenus viraux auprès de nouvelles générations.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1/2) :
Le morceau est devenu culte dans les cercles d'amateurs de city pop et de musique rétro, mais reste une niche en dehors de ces communautés. Sa popularité récente est surtout liée à sa diffusion sur les plateformes numériques.

Originalité perçue (2/2) :
Le morceau incarne parfaitement le style city pop avec une touche personnelle de jazz fusion. Son mélange d'élégance et de mélancolie le distingue des productions contemporaines plus génériques.

Qualité musicale et richesse des paroles (2/2) :
La richesse harmonique, les solos instrumentaux soignés et les mélodies captivantes témoignent d'une composition de haut niveau. Les paroles, bien qu'assez simples, expriment une sophistication émotionnelle subtile.

Héritage culturel et intemporalité (2/2) :
La chanson fait partie d'un courant musical ayant marqué une époque au Japon tout en devenant intemporelle grâce à sa redécouverte mondiale. Elle est désormais une référence incontournable du genre city pop.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
L'esthétique du morceau est élégante et soignée, combinant des influences jazzy avec des sonorités électroniques douces. Il s'inscrit dans une démarche artistique sérieuse et intemporelle.

Association avec une scène ou un style musical (2/2) :
Le city pop est souvent perçu comme un genre élitiste ou pointu, apprécié pour sa qualité artistique et son influence sur la musique moderne. Never Fall In Love s'inscrit pleinement dans ce cadre.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
Le morceau évoque une nostalgie douce, une sophistication urbaine et un sentiment de rêve éveillé. Il est parfait pour des moments de détente ou de réflexion.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Une personne qui apprécie Never Fall In Love est souvent sensible, sophistiquée et attirée par des musiques qui allient esthétique rétro et émotions raffinées.

Résonances émotionnelles :
Le morceau active des souvenirs imaginés ou réels d'une époque révolue, tout en évoquant des sentiments de mélancolie et de sérénité.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une préférence pour des œuvres culturelles de niche ou underground, avec une attention particulière à la qualité artistique et à l'authenticité.

Projection sociale :
L'écoute de Never Fall In Love peut être perçue comme un goût sophistiqué et pointu, apprécié par les connaisseurs et les amateurs de musique rétro-japonaise.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute traduit une quête d'évasion dans un univers sonore élégant, un besoin de sérénité ou une recherche de connexion avec une époque empreinte de glamour et de nostalgie.

Verdict global :
Score de "beauf" : 1/10
Never Fall In Love est tout sauf "beauf". Avec sa production soignée, son appartenance au city pop et son esthétique nostalgique et sophistiquée, le morceau est un choix musical raffiné, apprécié par les amateurs de musique rétro et d'élégance sonore.

Merci clef https://image.noelshack.com/fichiers/2024/41/3/1728501756-immondelaideron.jpg

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


Artiste : Onmyouza - Titre : Baku.

Bonne chance à ton IA

Nom de l'artiste et titre de la chanson : Onmyouza - Baku
Contexte de sortie :

Année : 2000 (album Koujin Rasetsu).
Genre musical : Heavy metal japonais, metal traditionnel avec influences folkloriques.
Origine culturelle : Japon, combinant des éléments du folklore japonais avec des sonorités heavy metal modernes.
Description rapide de la chanson :
Baku, comme d'autres morceaux d'Onmyouza, illustre un savant mélange de heavy metal et de références aux mythes japonais traditionnels. Le titre fait probablement référence au baku, une créature mythologique capable de dévorer les mauvais rêves. La chanson est marquée par des guitares puissantes, des rythmes rapides et la voix unique de la chanteuse Kuroneko, qui alterne entre une puissance brute et des moments de douceur mélodique. L'atmosphère de Baku est sombre, mystique, et énergique, caractéristique du style d'Onmyouza.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1/2) :
Onmyouza est un groupe très respecté dans la scène metal japonais mais reste assez niche en dehors de ce cercle. Leur musique n'est pas massivement connue du grand public.

Originalité perçue (2/2) :
Le mélange du folklore japonais avec le heavy metal est un concept unique, et Onmyouza est l'un des rares groupes à l'exécuter avec une telle maîtrise. Les références culturelles enrichissent leur musique d'une dimension intellectuelle et historique.

Qualité musicale et richesse des paroles (2/2) :
Les paroles de Baku sont poétiques et souvent inspirées par des thèmes traditionnels japonais. Musicalement, le morceau se distingue par des compositions complexes et une technique impressionnante, notamment les solos de guitare et la dynamique entre les voix.

Héritage culturel et intemporalité (2/2) :
Le groupe s'inscrit dans une tradition metal tout en renouvelant l'intérêt pour les mythes et légendes japonaises. Cette fusion leur permet de se démarquer et d'avoir un héritage durable dans leur niche.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
L'esthétique visuelle et sonore d'Onmyouza est particulièrement travaillée, mêlant des costumes traditionnels japonais avec une énergie moderne. Baku reflète parfaitement cette dualité.

Association avec une scène ou un style musical (2/2) :
Le heavy metal japonais est une scène respectée mais plutôt de niche à l'échelle mondiale. Cependant, Onmyouza s'impose comme une référence incontournable grâce à leur originalité et leur exécution impeccable.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
Baku évoque une intensité dramatique et mystique, plongeant l'auditeur dans un univers sonore à la fois agressif et captivant.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Une personne qui apprécie Baku est probablement curieuse, passionnée de mythologie ou de culture japonaise, et attirée par des musiques puissantes et narratives.

Résonances émotionnelles :
Le morceau peut activer des émotions de fascination, d'introspection ou de connexion avec une esthétique mystique et dramatique.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une préférence pour des œuvres qui sortent des sentiers battus, associant une dimension culturelle profonde à une intensité musicale contemporaine.

Projection sociale :
L'écoute de Baku peut être perçue comme un goût pointu et original, révélant un intérêt pour des univers riches et complexes.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute traduit une recherche de puissance émotionnelle et de connexion avec des récits ou des thèmes qui transcendent le quotidien.

Verdict global :
Score de "beauf" : 1/10
Baku est un morceau extrêmement éloigné de toute connotation "beauf". Avec sa profondeur culturelle, son originalité et sa puissance musicale, il représente un choix raffiné et respecté parmi les amateurs de metal et de culture japonaise.

BM

BullyMa

il y a 3 mois

High Hopes Pink Floyd

H3

Hubert36

il y a 3 mois

fréro met que le verdic global, et a la limite le reste en spoil, ton topic est illisible

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


Sewerslvt - Running In the Night

Nom de l'artiste et titre de la chanson : Baden Powell - Invenção Em 7
Contexte de sortie :

Année : 1964
Genre musical : Bossa nova, samba-jazz, musique instrumentale brésilienne
Origine culturelle : Brésil, scène musicale de la bossa nova et du samba-jazz.
Description rapide de la chanson :
Invenção Em 7 est un morceau emblématique de Baden Powell, l'un des plus grands guitaristes et compositeurs de la musique brésilienne. Ce titre fait partie de l'album Canto de Ossanha sorti en 1964, où Powell mêle des influences de samba, de jazz et de bossa nova avec une virtuosité exceptionnelle. Le morceau est instrumental et se distingue par sa complexité rythmique et harmonique, utilisant une signature rythmique 7/8, ce qui est peu conventionnel dans le contexte de la bossa nova, un genre généralement marqué par des rythmes binaires. Cette composition témoigne de la richesse musicale du Brésil et de l'influence de Powell dans l'évolution du jazz brésilien.

Attribution des scores musicaux :
Popularité et appropriation collective (1/2) :
Bien que très respecté dans les cercles de jazz et de musique brésilienne, Invenção Em 7 reste relativement obscur pour le grand public en dehors de ces communautés. Ce morceau est apprécié des connaisseurs de musique instrumentale et de bossa nova.

Originalité perçue (2/2) :
Le morceau est remarquablement original, notamment grâce à l'utilisation d'un rythme 7/8 dans un genre où les signatures rythmiques sont habituellement binaires. L'approche de Powell en matière d'harmonie et de rythme est unique et novatrice.

Qualité musicale et richesse des paroles (2/2) :
L'absence de paroles est compensée par une richesse harmonique et une complexité rythmique impressionnantes. La guitare de Powell est exceptionnelle, tant par sa virtuosité que par la manière dont elle intègre les influences de la musique brésilienne et du jazz.

Héritage culturel et intemporalité (2/2) :
Baden Powell est une figure essentielle de la musique brésilienne, et Invenção Em 7 fait partie des pièces qui ont marqué l'histoire de la musique brésilienne et du jazz. Son influence sur les générations suivantes de musiciens est indéniable.

Esthétique et contexte artistique (2/2) :
La chanson s'inscrit dans une esthétique musicale sophistiquée et réfléchie, combinant des éléments de la samba traditionnelle avec des innovations harmoniques et rythmiques. Ce mélange fait de Invenção Em 7 une œuvre profondément ancrée dans la culture brésilienne tout en étant universellement appréciée dans le monde du jazz.

Association avec une scène ou un style musical (2/2) :
Invenção Em 7 appartient à la scène du samba-jazz, qui est un genre souvent perçu comme sophistiqué et élitiste. Baden Powell y est une figure de proue, et ce morceau est un exemple parfait de son intégration de l'improvisation jazz dans les traditions musicales brésiliennes.

Émotions suscitées chez l'auditeur (2/2) :
Le morceau suscite une gamme d'émotions allant de la fascination pour la complexité rythmique et harmonique à la sérénité que procure l'écoute de la bossa nova. Il peut également évoquer une profonde admiration pour la technique instrumentale de Powell.

Analyse psychologique de l'auditeur :
Traits de personnalité :
Les amateurs de Invenção Em 7 sont souvent des personnes curieuses, sensibles aux subtilités musicales et attirées par la complexité et la beauté des compositions instrumentales. Ils peuvent également être passionnés par la culture brésilienne ou par l'histoire du jazz.

Résonances émotionnelles :
La chanson peut activer des émotions liées à l'admiration de la virtuosité musicale, à la contemplation de la culture brésilienne, et à la réflexion sur l'harmonie et le rythme. Elle peut aussi évoquer un sentiment d'évasion dans l'univers sonore du Brésil des années 1960.

Positionnement culturel :
Ce choix musical reflète une affinité pour des œuvres culturelles sophistiquées et profondes. L'auditeur est probablement attiré par la musique qui va au-delà du simple divertissement, recherchant des œuvres avec une richesse artistique et culturelle.

Projection sociale :
L'écoute de Invenção Em 7 peut être perçue comme un goût pointu et raffiné pour la musique brésilienne et le jazz. Elle témoigne d'un intérêt pour des œuvres complexes et culturelles, souvent appréciées dans des cercles de connaisseurs.

Quête ou besoin implicite :
L'écoute de cette chanson traduit une quête de beauté musicale, d'évasion dans l'univers brésilien et d'appréciation pour l'innovation artistique. Elle peut aussi répondre à un besoin de stimulation intellectuelle à travers une écoute attentive.

Verdict global :
Score de "beauf" : 1/10
Invenção Em 7 est à l'opposé du "beauf". C'est une œuvre musicale sophistiquée et complexe, qui s'adresse à un public averti et passionné par la culture musicale brésilienne et le jazz. La virtuosité de Baden Powell et l'originalité de son approche font de ce morceau une référence incontournable dans le monde de la musique instrumentale.

RR

RexRemington8

il y a 3 mois

curieux de voir ce qu'un bot a à dire sur somewhere in the middle de dishwalla https://image.noelshack.com/fichiers/2024/25/6/1719075860-cr7diabolique.png

GF

GammaFuckingRay

il y a 3 mois

Raté : Kongo Kyuubi, sorti en 2009 https://www.noelshack.com/2024-50-3-1733957423-full.png

CP

CrapaudPuant

il y a 3 mois


fréro met que le verdic global, et a la limite le reste en spoil, ton topic est illisible

Non c'est très bien comme ça.

LT

LeTetardLvl32

il y a 3 mois

spermaculture: gille de rais

AM

AsMonacoEurope

il y a 3 mois

Une de mes préférées : Kas Product - Nothing in the way : https://youtu.be/9woMN8GV0p8?si=QYtVF4J6lfek2IHO

BI

BanInjustifie41

il y a 3 mois

Darude - Sandstorm

X3

xanxus360

il y a 3 mois

Secunda skyrim

SJ

SAHara-je

il y a 3 mois

The doors - riders on the storm

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


Sewerslvt - Running In the Night

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Analyse synthétique : Sewerslvt - Running In the Night
Contexte :
Ce morceau emblématique du breakcore moderne, tiré de l'album Draining Love Story (2020), mêle rythmes frénétiques, mélodies ambient et une esthétique cyberpunk. Il reflète la complexité émotionnelle, l'aliénation numérique et une immersion introspective dans un chaos orchestré.

Synthèse musicale :

Originalité : Fusion intense entre breakcore et ambient, marquée par une esthétique sombre et immersive.
Qualité musicale : Production dense et complexe, évoquant un équilibre entre violence sonore et fragilité émotionnelle.
Portée culturelle : Une œuvre typique de la scène underground, appréciée par les amateurs de musique électronique alternative.
Verdict global :
Running In the Night s'impose comme une œuvre poignante et introspective, incarnant l'essence du breakcore moderne avec une production qui explore la beauté dans le chaos. Ce morceau, bien que profondément ancré dans une niche musicale, résonne chez les auditeurs cherchant une intensité émotionnelle et sonore. Cependant, son caractère répétitif et son esthétique résolument sombre peuvent limiter son attrait au-delà des cercles underground. Il s'adresse aux amateurs d'expériences auditives immersives et non conformistes.

Score de "beauf" : 4/10
Le morceau échappe à toute connotation "beauf" grâce à sa profondeur artistique et son ancrage underground. Toutefois, une certaine glorification du style cyberpunk et l'esthétique parfois ostentatoire de l'artiste peuvent être perçues comme légèrement surjouées. Une approche moins provocante pourrait renforcer son universalité sans diluer son impact.

BO

bourgmadame

il y a 3 mois

Colour Haze - Aquamarina

CM

CroqMonsieur

il y a 3 mois

Beyond - Daft Punk

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


somewhere i belong linkn park

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Contexte :
Sorti en 2003 sur l'album Meteora, Somewhere I Belong est l'un des titres phares de Linkin Park, mêlant nu metal, rap rock et influences électroniques. Ce morceau exprime des thèmes de douleur intérieure, d'identité et de quête de réconfort, dans un style accessible et émotionnellement chargé qui caractérise le groupe.

Synthèse musicale :

Originalité : Mélange typique de guitares saturées, samples électroniques et duo vocal Chester Bennington/Mike Shinoda. Innovant dans son genre à l'époque, mais standardisé par le succès du nu metal.
Qualité musicale : Solide production, mélodie mémorable et transitions dynamiques ; les paroles sont accessibles, bien qu'un peu convenues.
Portée culturelle : Véritable hymne de la génération nu metal, ayant marqué les années 2000 tout en restant clivant parmi les amateurs de rock.
Verdict global :
Somewhere I Belong est un morceau emblématique du nu metal, apportant une catharsis émotionnelle pour une génération en quête de validation et de réconfort. Si la chanson reste puissante et accessible, elle peut être perçue comme formatée, notamment par son utilisation de thèmes universels et répétitifs. Cependant, son impact culturel indéniable, associé à une production soignée, lui confère une intemporalité dans le cadre de son époque. Elle reste un choix sincère pour les amateurs de rock introspectif.

Score de "beauf" : 6/10
Bien que techniquement impeccable et émotionnellement percutant, Somewhere I Belong souffre de son ultra-diffusion et de son association avec une image "adolescente tourmentée" parfois jugée caricaturale. Sa popularité de masse et son esthétique mainstream nuisent à son originalité perçue dans les cercles musicaux plus exigeants, mais elle conserve une authenticité qui la protège des clichés les plus simplistes.

B2

bbmarmotte2

il y a 3 mois

Tara Putra - Dubland Mountains (Harmonic Frequency Remix)

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


High Hopes Pink Floyd

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Contexte :
Sortie en 1994 sur l'album The Division Bell, High Hopes est une ballade poignante et introspective qui explore des thèmes de nostalgie, de perte et de réconciliation. Avec des paroles contemplatives écrites par David Gilmour et Polly Samson, cette chanson clôt l'album en offrant une réflexion sur le passage du temps et les choix de vie.

Synthèse musicale :

Originalité : Une composition riche et atmosphérique avec des arrangements orchestraux, un solo de guitare slide magistral et des sonorités évocatrices.
Qualité musicale : Excellente production et progression musicale, mêlant mélancolie et grandeur. Les paroles sont poétiques et profondément introspectives.
Portée culturelle : Un classique du répertoire tardif de Pink Floyd, considéré comme une conclusion symbolique à leur carrière par de nombreux fans.
Verdict global :
High Hopes est un chef-d'œuvre introspectif qui illustre la maturité musicale et émotionnelle de Pink Floyd dans leur période post-Waters. Sa richesse harmonique et la profondeur de ses paroles en font une pièce intemporelle, transcendant les époques et s'adressant autant aux nostalgiques qu'aux amateurs de compositions raffinées. Cette chanson, bien qu'associée à la période moins révolutionnaire du groupe, conserve l'âme contemplative et l'intensité émotionnelle qui caractérisent Pink Floyd.

Score de "beauf" : 2/10
High Hopes échappe presque totalement à toute connotation "beauf" grâce à sa profondeur artistique et son exécution magistrale. Cependant, sa popularité dans les contextes nostalgiques ou son appropriation par certains publics peu familiers du reste de la discographie de Pink Floyd pourrait marginalement ternir sa réputation auprès d'auditeurs plus exigeants. Néanmoins, sa qualité musicale et son impact émotionnel en font un choix digne de respect.

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


curieux de voir ce qu'un bot a à dire sur somewhere in the middle de dishwalla https://image.noelshack.com/fichiers/2024/25/6/1719075860-cr7diabolique.png

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Contexte :
Sorti en 2002 sur l'album Opaline, Somewhere in the Middle est un morceau alternatif rock empreint de mélancolie et d'introspection. La chanson traite des incertitudes émotionnelles, de la recherche d'équilibre et de la vulnérabilité des relations humaines, dans un style doux et contemplatif typique de Dishwalla.

Synthèse musicale :

Originalité : Mélodie mélancolique et riffs de guitare subtilement texturés, mais globalement alignée avec les codes de l'alternatif rock des années 2000.
Qualité musicale : Une production propre et immersive, soutenue par la voix émotive de JR Richards et des arrangements qui laissent respirer l'émotion.
Portée culturelle : Moins connu que leur hit Counting Blue Cars, ce morceau est apprécié dans les cercles d'amateurs de rock introspectif, mais n'a pas atteint une reconnaissance universelle.
Verdict global :
Somewhere in the Middle est un morceau sincère et bien exécuté, qui se distingue par sa sensibilité et son honnêteté émotionnelle. Il manque peut-être d'audace ou d'éléments mémorables pour rivaliser avec des classiques du genre, mais son approche humble et introspective le rend accessible et attachant. C'est une chanson qui résonne surtout avec ceux qui cherchent une connexion émotionnelle plus discrète qu'explosive.

Score de "beauf" : 5/10
Le morceau, bien que touchant, peut être perçu comme légèrement banal dans son approche. Sa simplicité et son style mainstream des années 2000, sans innovation marquée, pourraient le cataloguer comme un choix sûr mais manquant de personnalité pour les puristes du rock alternatif. Cependant, son authenticité et son absence de prétention le sauvent d'un score plus sévère.

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


Une de mes préférées : Kas Product - Nothing in the way : https://youtu.be/9woMN8GV0p8?si=QYtVF4J6lfek2IHO

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Contexte :
Tiré de l'album By Pass (1983), Nothing in the Way est une composition du duo français Kas Product, pionniers de la cold wave et de l'électro minimaliste. Leur musique mêle des rythmes mécaniques, des synthétiseurs froids et la voix distinctive de Mona Soyoc, créant une ambiance sombre et avant-gardiste, typique des années 1980.

Synthèse musicale :

Originalité : Une fusion audacieuse entre l'énergie punk et l'électronique minimaliste, avec une voix charismatique qui marque immédiatement l'auditeur.
Qualité musicale : Une production brute mais cohérente, caractéristique de la cold wave, portée par des mélodies hypnotiques et une atmosphère oppressante.
Portée culturelle : Kas Product est une référence culte dans les cercles de la new wave et de la cold wave, mais reste largement méconnu du grand public.
Verdict global :
Nothing in the Way est un morceau emblématique de l'esthétique sombre et minimaliste des années 1980. Son caractère avant-gardiste et sa combinaison de froideur électronique et d'intensité émotionnelle en font une pièce intemporelle pour les amateurs de cold wave. Bien que la production puisse sembler brute ou datée pour certains, elle ajoute au charme authentique de cette époque musicale. Kas Product brille ici par sa capacité à capturer un sentiment d'aliénation et de rébellion dans un cadre musical unique.

Score de "beauf" : 3/10
Avec son statut culte et son esthétique pointue, le morceau est loin de toute connotation "beauf". Cependant, son caractère volontairement décalé et son association avec une niche musicale élitiste pourraient être perçus comme exagérément "intello" ou inaccessible pour un public non initié. Cela dit, sa sincérité et sa profondeur artistique le préservent de tout cliché simpliste.

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


Darude - Sandstorm

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Contexte :
Sorti en 1999, Sandstorm est un morceau emblématique du genre trance, produit par le DJ finlandais Darude. Il s'est rapidement imposé comme un hymne des clubs et des raves grâce à ses lignes de synthé énergiques et ses rythmes percutants. Sa viralité a été amplifiée dans les années 2010 par son adoption comme mème internet, renforçant son statut culte.

Synthèse musicale :

Originalité : Innovante pour son époque, la mélodie de Sandstorm est immédiatement reconnaissable, bien qu'elle soit aujourd'hui considérée comme un archétype de la trance commerciale.
Qualité musicale : Une production puissante et efficace qui exploite parfaitement les codes du genre, mais sans grande profondeur mélodique ou structurelle.
Portée culturelle : Monument de la trance des années 2000 et icône de la culture internet, son impact va au-delà du monde de la musique électronique.
Verdict global :
Sandstorm est une œuvre culte qui transcende son genre d'origine. Son énergie brute et son efficacité en tant que morceau de club en ont fait un classique incontournable, mais son ultra-diffusion et son utilisation parfois caricaturale en tant que mème ont aussi terni sa réputation auprès de certains amateurs de musique électronique plus exigeants. Malgré tout, son influence sur la popularisation de la trance est indéniable. C'est un morceau qui évoque autant la nostalgie des raves que l'ironie de la culture internet.

Score de "beauf" : 6/10
Bien que techniquement solide et historiquement significatif, Sandstorm souffre de son association avec les clichés des clubs commerciaux et son utilisation excessive dans des contextes parfois kitsch. Cependant, sa reconnaissance internationale et son statut de mème lui confèrent une certaine intemporalité, évitant un score plus sévère.

BM

BullyMa

il y a 3 mois

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Contexte :
Sortie en 1994 sur l'album The Division Bell, High Hopes est une ballade poignante et introspective qui explore des thèmes de nostalgie, de perte et de réconciliation. Avec des paroles contemplatives écrites par David Gilmour et Polly Samson, cette chanson clôt l'album en offrant une réflexion sur le passage du temps et les choix de vie.

Synthèse musicale :

Originalité : Une composition riche et atmosphérique avec des arrangements orchestraux, un solo de guitare slide magistral et des sonorités évocatrices.
Qualité musicale : Excellente production et progression musicale, mêlant mélancolie et grandeur. Les paroles sont poétiques et profondément introspectives.
Portée culturelle : Un classique du répertoire tardif de Pink Floyd, considéré comme une conclusion symbolique à leur carrière par de nombreux fans.
Verdict global :
High Hopes est un chef-d'œuvre introspectif qui illustre la maturité musicale et émotionnelle de Pink Floyd dans leur période post-Waters. Sa richesse harmonique et la profondeur de ses paroles en font une pièce intemporelle, transcendant les époques et s'adressant autant aux nostalgiques qu'aux amateurs de compositions raffinées. Cette chanson, bien qu'associée à la période moins révolutionnaire du groupe, conserve l'âme contemplative et l'intensité émotionnelle qui caractérisent Pink Floyd.

Score de "beauf" : 2/10
High Hopes échappe presque totalement à toute connotation "beauf" grâce à sa profondeur artistique et son exécution magistrale. Cependant, sa popularité dans les contextes nostalgiques ou son appropriation par certains publics peu familiers du reste de la discographie de Pink Floyd pourrait marginalement ternir sa réputation auprès d'auditeurs plus exigeants. Néanmoins, sa qualité musicale et son impact émotionnel en font un choix digne de respect.

Les dernières phrases je me sens un peu concerné

R9

Rosarielle-996

il y a 3 mois

Antechamber - Latitudes https://youtu.be/JtlHHcbeiEY?si=Fr-fpcubhpDtXFty

Ton IA connait pas, echet et mat

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


Secunda skyrim

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Secunda est une piste instrumentale de la bande originale de The Elder Scrolls V: Skyrim (2011), composée par Jeremy Soule. Ce morceau doux et mélancolique accompagne les paysages paisibles de Skyrim, contrastant avec les thèmes épiques et héroïques de la bande-son principale. Il illustre l'introspection et la sérénité qui caractérisent certains moments d'exploration dans le jeu.

Synthèse musicale :

Originalité : Une composition minimaliste mais évocatrice, axée sur une mélodie de piano délicate et des nappes d'accompagnement atmosphériques.
Qualité musicale : Excellente, grâce à une harmonie subtile et une production immersive qui souligne le caractère onirique et contemplatif du morceau.
Portée culturelle : Un classique parmi les amateurs de musique de jeux vidéo, et emblématique de la capacité de Skyrim à offrir une expérience narrative et émotionnelle immersive.
Verdict global :
Secunda est une œuvre poignante qui transcende son rôle de musique d'ambiance dans un jeu vidéo pour devenir une pièce à part entière. Sa simplicité et son efficacité émotionnelle en font un morceau intemporel, apprécié bien au-delà de la communauté des joueurs. Il incarne la dualité de Skyrim : un monde sauvage et dangereux, mais aussi empreint de beauté et de calme.

Score de "beauf" : 2/10
Grâce à sa finesse artistique et à son association avec un chef-d'œuvre vidéoludique, Secunda échappe presque totalement à toute connotation "beauf". Cependant, sa popularité parmi les amateurs de culture geek et son utilisation dans des contextes parfois surjoués (comme des vidéos sentimentales ou des mèmes) pourraient lui valoir un léger regard condescendant dans certains milieux élitistes. Cela dit, son authenticité et sa qualité musicale la préservent largement des clichés simplistes.

RY

Ryllandaras

il y a 3 mois

The Fall - No Bulbs

OP
CA

Cancelatre

il y a 3 mois


The doors - riders on the storm

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Contexte :
Sorti en 1971 sur l'album L.A. Woman, Riders on the Storm est l'un des morceaux les plus emblématiques de The Doors. Il mêle rock psychédélique, jazz et blues, tout en explorant une ambiance mystérieuse et introspective. La chanson, portée par la voix hypnotique de Jim Morrison et le clavier envoûtant de Ray Manzarek, évoque à la fois une ballade onirique et une méditation sombre sur l'existence.

Synthèse musicale :

Originalité : Mélange novateur de rock et d'influences jazz, accompagné de bruitages (pluie, tonnerre) qui renforcent son atmosphère immersive.
Qualité musicale : Harmonie riche et interprétation magistrale ; les paroles poétiques de Morrison ajoutent une profondeur philosophique.
Portée culturelle : Un classique intemporel du rock psychédélique, souvent considéré comme l'un des chefs-d'œuvre du groupe et de l'époque.
Verdict global :
Riders on the Storm est une pièce magistrale qui incarne l'esprit exploratoire et mystique de The Doors. Son ambiance unique et sa profondeur artistique en font un morceau indémodable, capable de captiver autant les mélomanes que les amateurs de musique plus grand public. C'est un exemple parfait d'une œuvre capable de transcender les genres et les générations grâce à son équilibre entre complexité musicale et accessibilité émotionnelle.

Score de "beauf" : 2/10
Bien qu'un classique incontournable, Riders on the Storm échappe presque totalement aux connotations "beauf". Son association avec une époque légendaire et son statut de chef-d'œuvre le placent au-dessus de toute banalité. Toutefois, une appropriation superficielle (ex. : écoute uniquement pour son aura "cool" sans en saisir la profondeur) pourrait marginalement ternir sa réputation auprès des puristes, mais cela reste négligeable compte tenu de sa qualité.